Quentin Tarantino e suas inspiradas trilhas sonoras

Estes dias atrás revi Kill

Estes dias atrás revi Kill Bill e minha cena preferida, de longe, é a que Uma Thurman e Lucy Liu se encaram, com espadas Samurai, ao som de “Don’t Le me Be Misunderstood”.

O duelo Samurai, ao contrário do presente em outros gêneros, não é pontuado de intermináveis lutas corporais. Muito pelo contrário. Geralmente o conflito se resolve em um ou dois golpes. 

Na verdade, para ser um Samurai magistral,  a excelência em sua arte era elemento necessário, mas não suficiente. Era preciso muito nervo, um controle mental inquebrantável, para fazer face a morte que parecia iminente e retirar do rival a energia necessária para sua vitória.

Assim, nos clássicos japoneses, este duelo cerebral era indispensável. O duelo Samurai começava muito antes do primeiro golpe ser desferido, e antes do primeiro ataque, assistíamos uma longa guerra psicológica com insana troca de olhares, bem como avanços e recuos de lado a lado.

Da postura do rival em campo de batalha, da serenidade exposta em seu olhar e da completa ausência de falhas em sua guarda já era o suficiente para identificar um grande guerreiro. Tanto que, era plenamente possível dizer quem venceria uma batalha apenas observando a postura de um grande Samurai. Quando este se deparava com um guerreiro de menor estatura, conseguia dominar completamente o ambiente, transformando-se num verdadeiro predador, só esperando o momento exato de desferir o golpe fatal.

Já quando dois grandes rivais se encontravam, como na cena de Kill Bill, o duelo tinha resultados imponderáveis, e a tensão, crescente.

A cena final de Kill Bill, Volume I, bebe de toda esta fonte do cinema japonês. Só que, ao contrário deste, que em cenas como esta imperava o mais profundo silêncio, ou uma trilha sonora que aumentava a ansiedade dos telespectadores, Tarantino nos brinda com uma canção ocidental, da banda “Santa Esmeralda”. 

A última coisa que os Samurais esperavam, ao preparar-se para um ritual que podia redundar em sua morte, era ouvir uma música barulhenta, que soaria como poluição para o seu ouvido. Ainda assim o resultado é incrível, criando uma cena memorável.

O mais engraçado é que a nossa vilã/heroína Beatrix Kiddo, escolada na ate de manejar a espada Katana, em “Kill Bill – Volume II” se descobre que foi treinada por um mestre do Kung Fu que detestava profundamente os japoneses. E também que sua espada foi forjada por um artesão de Okinawa, região historicamente apartada do resto do Japão medieval e onde a tradição Samurai nunca foi forte.

Tarantino com certeza sabe disso e brinca com todos os detalhes, assim como o faz em todos os filmes que dirige ou produz. 

O pop é cool.

Prezada Tamara,

Ouso discordar de ti na forma, não no conteúdo. Quer dizer, não discordo, apenas complemento.

Em Reservoir Dogs, a cena da conversa sobre Madonna não é sobre a música, mas sobre o significado dela, “Like a virgin”, onde discorrem em estereótipos machistas sobre se a metáfora “como uma virgem”, quer dizer se ela era penetrada por alguém “bem dotado” (e por isto sentia dor), ou por um novo amor que a fazia sentir-se como na primeira vez.

Ali o contraponto é o nível elevado de machismo, que depois se segue com a discussão que quase chega as vias de fato sobre a gorjeta a garçonete (Steve Buscemi nega, e Keitel discorro sobre o papel social do incentivo), até que o chefe encerra a discussão. Um paradoxo cultural clássico.

A cena crucial para a ênfase música-ação do filme Reservoir Dogs é a mutilação do policial por Michael Madsen, ao som de uma música que toca em um programa de rádio cultuado pelos personagens (me esqueci o nome), e que tinha um locutor sensacional.

Segue Pulp Fiction como acabamento na linguagem que associa música e expressão corporal (neste caso, a dança), que já havia sido experimentada com a cena de Madsen e o corte da orelha, mas que nesta película explode com Uma e Travolta naquele bar/restaurante rock-a-billy & kistch e o concurso de twist.

Um tipo de Grease hardcore, trazendo o estilo Thurman para destroçar as referências Olivia Newton John.

Há uma oscilação na obra de Tarantino, que culmina em Inglorious Bastards, porque obviamente a (meta)linguagem e a “brincadeira” ali é apresentar o cinema de Shoshana como possibilidade de “libertação”. A jogada é manipular a questão física (incêndio) com a linguagem, trazendo o debate de fundo, da transterritorialidade da cultura ciinematrogáfica (anti-xenofobia) com a atriz alemã que espiona para os EEUU e para a Inglaterra.

A cena do militar inglês (Mike Meyers) é classica.

Kill Bill tem outra cena clássica, para além dos significados dos embates ou das tradições sino-nipônicas.

É a luta de Kiddo com os Crazy 88’s ao som das ótimas 5,6,7,8…que cantam descalças e com figurino anos 50.

No entanto, na minha opinião, a pedra de toque do filme são as intervenções de Bill com a flauta. É este toque minimalista, auxiliado pela materialização do instrumento que contrasta com o uso de espadas e armas de fogo, que traz a ideia central de contradição que seu personagem apresenta: um cara que ama e é capaz de atirar na cabeça da sua amada grávida.

Ou seja: ainda que sofisticado e delicado, só se relacionam pela violência.

Jack Brown é a obviedade soul-black-music, mas nem por isto menos intensa e densa.

Fantástica a “conversão” do agente de fianças, que se enamora da personagem título, e incorpora como música predileta um título soul. Universos totalmente paralelos, que só se tocam na linguagem do papel que ambos representam socialmente, ele como parte do aparelho repressor e ela como parte da parcela reprimida, e que se encontram no gosto comum pela música, que embala um interesse sentimental heterodoxo.

Clichê, mas quem disse que não há ótimos clichês?

Tarantino é mestre em fazer clichês, como a cultura pop, parecerem cult.

Às vezes erra a mão, mas acerta na maioria das vezes.

Saudações.